К 75-летию Хабаровского отделения Союза художников России
Семьдесят пять лет — возраст немалый. Это целая жизнь для человека. Но для творческого союза расчеты иные. Хабаровское отделение Союза художников России встречает свой юбилей в расцвете сил.
Почему в союз постоянно стремятся молодые художники? Потому что художнику как воздух нужна творческая среда. Без нее можно остановиться в развитии, «прижимая к груди тыкву, думая, что это алмаз», — так остроумно обрисовал творческое одиночество Эрнест Хемингуэй.
Как-то известного искусствоведа академика Алпатова спросили: «Как научиться отличать хорошую картину от плохой?» «Надо пересмотреть миллион картин. Другого пути нет», — ответил он. Поэтому художнику необходимо участие во множестве выставок, чтобы увидеть свои картины среди других, услышать мнение коллег, искусствоведов, зрителей. Только так можно осознать свое призвание и начать движение к вершинам мастерства.
Сегодня в Хабаровском союзе художников сочетаются традиции и новаторство, и в этом его главное достоинство. За 75 лет сменилось несколько поколений мастеров, и все эти годы связь времен не прерывалась. Искусство развивается не через отрицание прошлых достижений, оно растет как дерево, добавляя в крону все новые ветки и листья. Прошлое не уходит, не умирает. Очевидно поэтому из года в год на выставках в Картинной галерее им. А. М. Федотова искусствовед и директор Т. А. Давыдова выставляет картины 1960–70-х годов вместе с картинами современных авторов. Возникает диалог художников разных поколений. Мэтры прошлых лет служат камертоном. Они относились к своему искусству серьезно, умели сказать о важных вещах своим языком, а главное, в совершенстве владели формой, знали толк в рисунке, в пленэрной живописи. Так что молодым есть чему поучиться. Будущее покажет, смогут ли они стать вровень с мастерами прошлых лет. Не в этом ли залог непрерывности развития творческого процесса?
Сегодня мы, бывшие молодые, неожиданно для себя стали «патриархами» дальневосточного искусства. В искусстве мы входили в самом конце шестидесятых — начале семидесятых годов. Мне довелось общаться с отцами-основателями нашей организации. Василий Высоцкий и Иннокентий Горбунов вступили в союз в 1941 году. Интересно, что участвовать на выставках продолжали на равных. Они, как молодые, волнуясь, приносили свои новые вещи. Ведь искусство — это постоянный экзамен. Творческие удачи не гарантированы опытом.
Признаюсь, мне поздние картины Высоцкого казались тогда наивными. Он не изменял своей теме. Рисовал партизан, тайгу, снег, коней. Его изобразительный язык мне тогда не нравился. Но прошли годы. Я увидел этюды Василия Николаевича и был поражен: мастерство высокое и безусловное. Высоцкий, как и все его современники, был воспитан на постоянной работе с натуры. Пленэр, этюд — самая сильная сторона всех художников тех лет. Это стало понятно только в начале перестройки. Тогда, в девяностые годы, в нашу страну хлынули галеристы и любители живописи из разных стран. Они буквально вывезли пленэрную живопись советских лет за пределы страны. Скупали оптом и в розницу, приезжали по нескольку раз.
Сейчас среди художников среднего поколения и среди молодых возрождается интерес к работе на пленэре. Пусть западные искусствоведы заявляют, что живопись умерла, и на ее месте расцвело «актуальное искусство». Это их проблемы. Наши художники верят, что классическая традиция не может умереть, потому что мир по-прежнему прекрасен и полон тайн. Раскрыть эти тайны может только живая, тонко чувствующая душа.
Среди художников старшего поколения у меня было много товарищей, друзей, людей, близких мне. Сразу вспомнил Григория Степановича Зорина. Много лет мы были соседями по мастерской. Постепенно оказалось, что Григорий Степанович стал для меня своеобразным эталоном художника. Он ставил искусство очень высоко. Считал, что художник по определению должен быть добрым, порядочным человеком, потому что образы рождаются в глубинах нашего подсознания. И если там живет зависть, подлость, чванство — ничего хорошего не родится. Ведь каждый говорит от полноты своего сердца.
Помню, как немилосердно ругал меня Григорий Степанович за один плохой этюд: «Ты же художник! Как ты мог себе это позволить?! Что это? По-твоему это цветовые отношения?!» Признаюсь, мне было приятно слышать его критику. Ведь художники избегают задевать друг друга, зная, что прикосновение к чужой работе равноценно прикосновению к душе автора. Но в этом случае другое. Григорий Степанович учил меня не опускать планку, не терять целого ради маленькой правды в деталях. Прошли годы. Как сегодня мне не хватает такой критики!
Григорий Степанович учил уважать свой труд, а значит, уважать зрителя. Образцом высокого искусства он считал русскую икону, а вершиной мирового искусства называл «Троицу» Андрея Рублева. «Смотри, как все просто!» — говорил он, показывая репродукцию, — три тональных отношения! И больше в работе не должно быть! Раз, два, три — и все! Ты понимаешь?" С трудом, но доходило. Многословие в искусстве ведет к утрате поэзии. «Краткость — сестра таланта». В этом Чехов был прав. Помню, как навещал Зорина дома, когда он болел и уже не мог ходить в мастерскую. «Знаешь, — сказал он мне однажды, — я рисую во сне. Вчера проснулся в слезах. Получился очень красивый холст, но я его нечаянно смазал мастихином. И тут я проснулся...» Что тут добавишь? Такое по-детски чистое отношение к творчеству большая редкость. Конечно, в основе искусства лежит любовь, а не самоутверждение и амбиции.
Другой фронтовик, танкист Николай Павлович Долбилкин поддержал меня в самом начале творческого пути. В те далекие годы перед открытием выставок их осматривали чиновники от культуры. Что-то рекомендовали снять, чтобы не злить высокое начальство «формализмом». Было это в 1975 году на юбилейной выставке, посвященной победе в Великой Отечественной войне. Чиновники мои работы почему-то не убрали, но пришел А. К. Черный, тогдашний главный партийный начальник, и снял. Своими руками, продемонстрировав вкус и понимание. Вот тогда-то Н. П. Долбилкин прислал мне открытку. Поздравил с Днем Победы и с хорошими работами. Он ничего не объяснил, никого не ругал, но я понял главное: искусство нельзя унижать. Этот урок я запомнил и очень благодарен Николаю Павловичу.
Старшее поколение художников, особенно тех, кто прошел войну, а также младших их современников сделало в искусстве многое. Это еще не оценено в полной мере, потому что сегодня в искусствоведении, к сожалению, пустые аттракционы стали называть достижениями, половые извращения — свободой. Но мы знаем, что вечные истины не устаревают. Искусство призвано служить им. Человеку нужно постоянно напоминать о его высоком предназначении. А развращать его, унижать не в нашей традиции. На этом стоял и будет стоять хабаровский Союз, по крайней мере, лучшая его часть.
Хочется сказать несколько добрых слов обо всех художниках прошлых лет. Каждый достоин отдельной монографии, серьезного исследования. Алексей Федотов, как никто, чувствовал природу, она была живой для него. Настроение грусти, величия, трагедии он мог передать, изображая небо, водную стихию, тайгу и сопки. До сих пор тревожит меня пейзаж, написанный Алексеем Матвеевичем на месте гибели его отца, репрессированного и сосланного на рудник в далеких тридцатых. Деревья, как гниющие люди, цепляются за жизнь. Их корни корчатся, обнимая голую скалу. Но почему так празднично, так радостно звучит красно-оранжевый цветовой аккорд на синем фоне небес? Потому что жизнь, а не смерть побеждает в конце концов. Так было и будет всегда, пока есть в сердцах людей вера и любовь. Все это выражено в картине без единого слова. Трагедия переходит в радостный гимн. Это настоящее высокое искусство. Его нельзя придумать. Можно только пережить.
Как не вспомнить творчество Б. Г. Шахназарова! Художник, прошедший войну, потерявший на фронте ногу, он всю жизнь писал красоту, которая присутствует в обыденных вещах. Мы к ним присмотрелись, глаз наш замылился, и вот Борис Герасимович словно смывает пленку, и мы вновь видим мир сверкающим и живым. Мне приходилось слышать от художников, что они, посетив мастерскую Шахназарова, пообщавшись с этим скромным человеком, испытывали невольный стыд. Им становилось неловко за суетность в жизни и в искусстве. «Может, не следует бежать за всеми радостями жизни и писать холсты ко всем датам и юбилеям, может, следует закрыться в мастерской и неспешно и точно лепить форму капусты, баклажана, морковки, в конце концов? Но не каждому это дано...»
В начале шестидесятых в союз пришли художники, изменившие лицо нашей организации, хотя такой задачи они себе, конечно, не ставили — все произошло само собой. Е. М. Фентисов, Д. А. Романюк, Е. И. Вольгушев и другие стали первыми преподавателями открывшегося в Хабаровске художественно-графического факультета при тогдашнем Хабаровском государственном педагогическом институте. Факультет должен был готовить художников-педагогов для общеобразовательных школ. Но наиболее талантливые стали вливаться в Союз художников. Это было естественно. Большую роль сыграл Александр Викторович Гуриков, став родоначальником особого направления в дальневосточной графике, которое получило условное название «монтажная графика». Работы его и его последователей (В. Смирнов, Е. Вольгушев, В. Амельянчик) сразу привлекли внимание на выставках — иная степень свободы, иная возможность добиться выразительности. Сегодня понятно, что художники этого направления сумели выразить свое время. Заслуженный художник России А. В. Гуриков долгие годы был председателем нашей организации. Мне его память дорога тем, что он стал моим учителем и руководителем дипломного проекта. Кажется, это было совсем недавно. Всего 45 лет назад...
Среди наиболее ярких выпускников факультета, ставших членами нашего союза, нельзя не вспомнить Сергея Заровного и его супругу Наталью, Евгения Бурлова, Германа Палкина, Юрия Быкова, Геннадия Арапова, Владимира Хрустова, Викторию Романову, Валерия Сахатова, Анатолия и Андрея Блажновых, Александра Михалевича, Игоря Шабалина, Андрея Паукаева, Юрия Дунского, Владимира Торгашина, Николая Вагина. Перечисляю имена известных художников, живых и ушедших из жизни, заслуженных и нет, и ловлю себя на мысли, что нельзя останавливаться. Нельзя не назвать тех, кого уважаю и люблю. Например, Владимира Бабурова — ювелира и скульптора, много сделавшего для развития ювелирного искусства на Дальнем Востоке. Или супругов Владимира и Веру Евтушенко, которые одними из первых обратились к древнему искусству иконы, а в связи с этим и Павла Трача, иконостасы, иконы и росписи которого стали важным этапом в развитии нашего храмового искусства. Говорю о технике акварели и сразу вспоминаю Бронислава Тамулевича и Евгения Базилевича. Эти художники такие разные! Бронислав героем сделал свободную стихию водяных красок, а Евгений, напротив, достигает прекрасного результата, опираясь на точность рисунка. Как тут не вспомнить слова классика: «Каждый пишет, как он дышит». Или такие: «Стиль есть человек».
Почему я говорю не об организации в целом, а об отдельных людях? Да потому, что творческие личности, отдельные люди, объединенные общим призванием, и есть суть нашей организации, самое главное и интересное в ней. Берешь любое направление в искусстве, и обязательно вспоминается человек. Международные конкурсы ледяной скульптуры на городской площади — Сергей Логинов. Монументально-декоративное направление — Борис Федоровский. И так в любой области.
Поэтому любой художник в нашем союзе незаменим. Ушел из жизни Е. М. Фентисов, и пастельная живопись как направление угасла, исчезла практически полностью. Почему? Ведь у Евгения Михайловича много учеников? Я сам учился у этого интересного художника и многое взял у него. Дело в том, что характер человека выбирает любимый материал для своего творческого воплощения. Он выявляет в этом материале те черты и свойства, которые ему близки.
Так возникает неповторимое лицо мастера. Поэтому с легкой печалью могу сказать, что таких разливов Амура, таких тревожных облаков среди скал, как на картинах Алексея Федотова, мы уже не увидим. Есть попытки, но, как говорят, «не то, не то...». Придет время, появится, может, нечто не менее талантливое, но другое. Вот почему искусство не может умереть, пока есть яркая, неповторимая личность. Она обязательно будет искать отголосок в душах других. Искусство не что иное, как способ наведения мостов между людьми. Об этом сказал философ Кант, а он знал, о чем говорил. И он же сказал, что искусство имеет еще одну задачу: оно способно стать украшением на пиру жизни. В нашей организации очень развито декоративно-прикладное искусство: имя Николая Акишкина, создателя уникального направления, широко известно за пределами Хабаровского края, работают В. Гуенок, И. Оркина, множество других оригинальных мастеров. Особых успехов добились хабаровские ювелиры: творчество Николая Новикова, Алексея Бабурова, других мастеров широко известно.
Наблюдая за сегодняшним днем Союза художников, кроме радости и удовлетворения испытываешь тревогу. Художественно-графический факультет, многие годы дававший возможность получить школу, понятие о законах искусства, сегодня перестал это делать. Пройдет несколько десятилетий, и вновь произойдет смена поколений. Сможет ли союз воспитать себе новых достойных членов, имеющих профессиональную подготовку? На этот вопрос ответит будущее...
Положение творческого Союза художников хорошо знает ее председатель Николай Акишкин. Ему слово:
— Я знаю нашу организацию и как художник, и как чиновник уже много лет. С 1976 года работал главным художником художественных мастерских, затем стал главным художником Художественного фонда. В те годы в него входили мастерские Хабаровского края, Благовещенска, Южно-Сахалинска, Биробиджана. Ранее наш союз охватывал всю эту территорию, в том числе и Камчатку. Художественный фонд был производственным подразделением Союза художников. В начале перестройки происходили не самые лучшие перемены, многие отделения фонда ликвидировали, и я стал свободным художником. Но вскоре в организации сложилась очень серьезная, даже опасная ситуация, и на общем собрании меня выбрали председателем. Могу сказать, что удалось не только выправить положение, но и многое сделать.
В каком-то смысле сегодня наш союз — уникальная организация. Например, мы имеем дочернее предприятие Художественный фонд, которое выполняет сложные по технологии творческо-производственные работы: памятники, рельефы, парковую скульптуру, витражи, росписи и многое другое. Сейчас поступают заказы из разных регионов, что подтверждает нашу высокую репутацию. Другое и очень важное направление работы — сохранение и популяризация произведений дальневосточных художников. Велика в этом роль бессменного директора Картинной галереи им. А. М. Федотова искусствоведа Татьяны Алексеевны Давыдовой. Пока она работает, я спокоен: богатая коллекция будет сохраняться и пополняться. Удалось сохранить художественный салон, где художники и, что очень важно, мастера из национальных сел имеют возможность реализовывать свои работы.
Несколько лет назад создан творческий центр «Тунгуска», куда на пленэры, в том числе и международные, приезжают студенты художественных вузов, учащиеся художественных школ. Свою творческую базу необходимо иметь каждой творческой организации, потому что художнику важно побыть наедине с природой и с собой вдали от каждодневной суеты.
В последнее время мы вплотную занялись воспитанием молодых художников — нашей смены. Создано Объединение молодых художников и искусствоведов, которое курирует Андрей Тен. Кандидаты в члены Союза художников имеют реальную поддержку — молодежные выставки, стипендии и премии. Наиболее талантливые и перспективные получают творческие студии-мастерские.
В феврале 2016 года Хабаровское отделение Союза художников России отметит важную дату — 75-летие. Мы решили установить мемориальные доски отцам-основателям нашей организации и отдельно заслуженному художнику РСФСР, участнику Великой Отечественной войны Григорию Степановичу Зорину. К юбилею будет издана книга очерков Александра Лепетухина о дальневосточных художниках, выйдет в свет журнал, посвященный юбилею Союза художников, его готовит Т. А. Давыдова. Наш долг — помнить художников, которые внесли заметный вклад в развитие дальневосточного искусства. Поэтому мы выделили средства на благоустройство надгробия нашего известного живописца Алексея Матвеевича Федотова.
Но, несомненно, главным событием юбилейного года станет выставка. Она ответит на многие вопросы, волнующие не только художников, но и всех, кто любит изобразительное искусство.
Александр ЛЕПЕТУХИН
Фото из архива Хабаровского отделения Союза художников России
